Arte del siglo XIX - IMPRESIONISMO

Se desarrolla como movimiento artístico en el último cuarto del s.XIX. Con su aparición se inicia el llamado "arte moderno": a partir de él las tendencias artísticas o "ismos" se suceden con una gran rapidez. Quizá una de las principales aportaciones del impresionismo radica en la dinámica de cambio y renovación que imprime en el arte occidental.

A partir de él se habla de "ismos" y no de estilos. La diferencia entre ambos estriba en que los estilos surgen como expresión de una cultura, mientras que el "ismo" es el resultado de una voluntad expresamente orientada hacia una finalidad.

Al igual que el realismo se basaba en el positivismo de Comte, el impresionismo lo hace en la teoría de las sensaciones de Locke: la sensación es la fuente de nuestro conocimiento. La sensación alimenta la vista que es la puerta de nuestra experiencia. De ahí que se desdeñe la forma; todo debe partir de lo que el ojo ve y sin ningún tipo de prevención.

Surge en 1874 en la Exposición de Artistas Jóvenes de la Galería Nadar. Entre los cuadros expuestos había uno, debido a MONET, titulado "l'Impresión, sol naciente". El cuadro fue duramente criticado por el crítico LEROY e incluso, fue el mismo critico el que peyorativamente calificó con el nombre de "impresionistas" a estos pintores; el grupo rechazó en un primer momento el nombre porque preferían llamarse “independientes".

La última exposición como , grupo impresionista" se celebra en el año 1886.

La sensibilidad social fue reacia a este tipo de pintura que durante mucho tiempo tuvo que soportar las críticas más adversas. Surge como rechazo de la pintura academicista y de estudio de carácter clasicista.

Este movimiento pictórico no tuvo una gran cohesión como grupo. Compartían unos intereses pictóricos y estéticos pero les faltaban unos manifiestos teóricos e incluso una línea de acción unitaria.

Antecedentes inmediatos fueron:

• La tradición lumínica española: Velázquez y Goya.
• Los paisajistas románticos ingleses: Constable y Turner.
• Los paisajistas franceses del siglo XIX o pintores de la naturaleza: Corot, escuela de Barbizón, MILLET, Courbet y especialmente Manet.

CRONOLOGÍA

Antecedentes del Impresionismo

• 1863: Manet presenta al Salón el cuadro "El almuerzo en la hierba" que supone una total innovación estética y técnica. Napoleón III consiente en la creación de un "Salón de Rechazados" en donde podrán exponer todos los pintores no admitidos en el "Salón" y que representan el enfrentamiento con el academicismo.
• 1870: Ante la guerra franco-prusiana muchos pintores, entre ellos Pisarro y Monet, van a Inglaterra en donde entran en contacto con los paisajistas ingleses. Allí también conocen al que sería su principal marchante y mecenas, Paul DURAND-RUEL.

Impresionismo

• 1874: Exposición colectiva duramente criticada por Leroy en la revista "Le Charivari".
• 1876-1886: Se celebran nuevas exposiciones pero surgen disensiones en el grupo.

Se desarrollan nuevos movimientos que completan o rechazan las ideas del impresionismo:

• El neoimpresionismo o puntillismo.
• El Postimpresionismo: introducir tales modificaciones que pueden ser considerado como el punto de partida de la pintura del siglo XX.

Características

Principio básico: la realidad que captamos no es única sino múltiple; no es permanente sino cambiante. La realidad es la apariencia de las cosas en el momento de ser contempladas.

Algunos de los factores que influyen en su desarrollo son:

• Descubrimiento de la fotografía: composiciones con nuevos encuadres (perspectivas cortadas, superación del concepto de punto de fuga único, etc.); el fotógrafo tiene una visión instantánea de la realidad al igual que el pintor, pero éste busca lo fugaz y lo inacabado frente al detallismo del fotógrafo.
• Las nuevas teorías científicas, especialmente las nuevas leyes ópticas y del color establecidas por CHEVREUL: este científico descubrió “la ley de contrastes simultáneos" que ya había sido advertida por Delacroix. El color no depende exclusivamente de él mismo, sino de los otros colores que le rodean, exaltándose o amortiguándose con ellos.
• Divulgación de las estampas japonesas, especialmente por su brillo y colorido y por la presentación de nuevos encuadres.
• La teoría empírica de la sensación como única fuente válida de conocimiento.
• La LUZ es la auténtica protagonista del cuadro: los objetos sólo se ven en la medida en que la luz incide sobre ellos. Por eso se prefiere la pintura al aire libre ya que permite captar la visión momentánea y fugaz de los efectos producidos por la luz.
• No existen formas ni colores permanentes sino formas y colores mudables en función de la luz que reciban.
• Al ser los cuadros un simple efecto de luz, un mismo tema se puede representar varias veces y siempre de forma distinta con tan sólo cambiar la luz (su intensidad, su ángulo de incidencia, etc.).
• En cuanto al COLOR, utilizan la técnica de la división de colores, no mezclan los colores en la paleta sino que los aplican en su estado puro para que sea la retina del espectador la que los mezcle.
• Los colores complementarios (violeta, verde y naranja) se consiguen por la combinación de los primarios (amarillo, rojo y azul).
• Los colores se aplican en pequeñas pinceladas, cortas y yuxtapuestas.
• La gama de colores es muy reducida con lo que los cuadros adquieren una extraordinaria luminosidad y claridad.
• Los colores se refuerzan además mediante la aplicación de la ley de contrastes simultáneos de Chevreul.
• No emplean colores oscuros; desaparecen las sombras negras que se reducen a espacios coloreados con colores complementarios. En consecuencia, desaparecen los contrastes de claroscuro y el dibujo se suprime o queda reducido a trazos disueltos entre el color.
• Para captar mejor las vibraciones de la atmósfera rehuyen cualquier retoque de las pinceladas y prefieren las manchas pastosas y gruesas. Pinceladas sueltas aplicadas con pincel, espátula, los dedos, con el mismo tubo; toques yuxtapuestos de colores claros que serán distintos en cada pintor: en forma de comas en Monet, netos en Cézanne, en puntos en Seurat y Signac, largos y llameantes en Van Goght.
• Temas: la pintura impresionista es puramente sensitiva, el tema es algo accesorio, sirve sólo de soporte para el color. Se representan paisajes (tanto rurales como urbanos) escenas tomadas de la vida bohemia y burguesa, retratos, rechaza la pintura histórica. mitológica o religiosa.

Antecedentes

• Se pueden considerar como tales todos los pintores preocupados por la luz: desde Velázquez y Goya hasta los paisajistas ingleses y franceses.
• El precedente más inmediato es Manet.

Impresionismo

Es el movimiento que refleja en su mayor pureza las características anteriores. Pintan la luz al aire libre.

CLAUDE MONET (1840-1926). Pinta la luz al aire libre. Es el autor más representativo del impresionismo y el más poético. Se interesó especialmente por los cambios de luz durante el día y por las variaciones atmosféricas en general. En este sentido realiza series sobre las "Ninfeas”, la "Catedral de Rouen".

Pinta, sobre todo, paisajes, marinas, escenas fluviales, etc. A veces pinta paisajes urbanos para ver como son modificados por la industrialización (“I'Estación de Saint Lazare").

Su pintura se basa en pequeños y rápidos toques de colores puros que dan un aspecto inacabado al cuadro.

Ej.: Impresión, sol naciente (1874). Puente de Argenteuil. Campo de amapolas. Catedral de Rouen. (1894). Parlamento de Londres. Ninfeas. (1919).

CAMILLE PISARRO (1830-1903). Paisajes rurales y urbanos a través de los cuáles busca la luz. Puntos de vista muy altos para conseguir una mayor sensación de espacio. A partir de 1886 evolucionó hacia el puntillismo.

Ej.: Tejados rojos (1877). La diligencia de Louvenciennes.

ALFRED SISLEY (1839-1899). Es un impresionista puro, dotando a sus cuadros de un gran lirismo. Pinta preferentemente temas de nieve e inundaciones.

Ej.: Inundación en Port-Marly. (1886). Campo de trigo. (1873).

AUGUSTE RENOIR (1841-1919). Clásico dentro del impresionismo. A partir de 1883 vuelve a dar importancia al dibujo frente al color.

Utiliza preferentemente el tema de los jardines para captar la luz, como chispazos centelleantes, según se filtren los rayos de sol a través de los árboles. Centra su atención en la figura humana, principalmente en el desnudo femenino. Representa formas gruesas y poco elegantes que recuerdan a Rubens. También realizó escenas de la vida bohemia parisina.

Otro rasgo distintivo de su pintura es el colorido voluptuoso, de tonos puros, que le convierten en un precedente del "fauvismo" y de las tendencias cromáticas del siglo XX.

Ej.: Le Moulin de la Galette. En el jardín de Luxemburgo. El palco (1874). Mujer al sol.

EDGAR DEGAS (1834-1917). Recibió una formación académica por lo que siempre dio importancia al dibujo. Prefiere la luz de interiores, la de las candilejas especialmente. Su preocupación es captar el movimiento, un instante en la acción: por eso es el pintor de las bailarinas y de las carreras de caballos. Consigue dar la sensación de fugacidad.

No se limita al mundo elegante del ballet sino que muestra los esfuerzos de los ensayos; pinta también el cansancio de los trabajadores e incluso escenas íntimas de mujeres pero tratadas de forma nueva.

Estas escenas de la vida cotidiana pueden ser calificadas de “l'expresionismo social”. Crea un tipo de primer plano en el que se secciona la cabeza de uno de los personajes, lo cual sitúa bruscamente al espectador ante el cuadro. Es un recurso para desencadenar la idea de proximidad que será aprovechado después por el cine.

Ej.: Los músicos de la orquesta. Los bebedores de ajenjo. Las planchadoras. Mujer lavándose en la tina. Lección de danza. Series de bailarinas. Carreras de caballos.

BERTHE MORISOT (1841-1895).

MARY CASSAT (1845-1926).