Pintura del siglo XX - PRIMEROS MOVIMIENTOS VANGUARDISTAS DEL SIGLO XX: HASTA LA PRIMERA GUERRA MU

SIMBOLISMO

• Se desarrolla entre 1888 y 1903.
• Suele incluirse en este movimiento a los "Nabis" (profetas).
• Antinaturalismo, carácter fantástico, subjetivismo, decorativismo.
• Su objetivo era representar, mediante formas y colores simbólicos, el sueño, el misterio, las experiencias místicas o espirituales.
• Defiende el "arte por el arte" siguiendo el principio enunciado por Maurice DENIS:
• "Recuérdese que el cuadro antes que un caballo, una mujer, una flor, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores dispuestos en un cierto orden".
• Para ellos el arte era un medio de manifestar la realidad profunda del hombre, por encima de su pensamiento convencional.
• Precedente inmediato es Gauguin que convirtió al color en símbolo. También recibe influencias de las estampas japonesas.
• Es un precedente del expresionismo.
• Odilon REDON (1840-1916).
• Maurice DENIS (1870-1943).
• Pierre BONNARD (1867-1947).

FAUVISMO

El nombre procede del francés "Fauves" (fieras), término empleado por el crítico Louis VAUXCELLES al contemplar, en el Salón de otoño de 1905, una pequeña estatua renacentista que contrastaba con los violentos colores de las pinturas allí expuestas; esto le hizo exclamar: " ¡Donatello chez les fauves!". También recibieron el nombre de “incoherentes" e "invertebrados".

Es el primer movimiento vanguardista del siglo XX: reaccionan contra el modo de pintar entonces vigente.

Iniciado en 1903, alcanza su mayor auge entre 1905 y 1907; a partir de 1909 los componentes del grupo se dispersan siguiendo cada uno diferentes orientaciones pictóricas.

• Antecedentes: Gauguin y Van Gogh por su cromatismo y el valor que dan al color.

Frente al impresionismo defienden el color y la expresión del mundo interior del pintor.

• Sus dos principios básicos son:

• El DIBUJO: a base de grandes líneas de color; a veces utilizan varios colores en el trazado de una misma silueta.
• El COLOR: es un color vivo, estridente, violento, tonos puros y fuertes; lo emplean de un modo totalmente arbitrario (sin relación con la realidad objetiva); conceden al color un valor subjetivo y emotivo, convierten al color en un vehículo para expresar emociones y sentimientos.
• Aplican el color a base de manchas planas y anchas. Renuncian al claroscuro y al modelado.
• Composiciones planas.
• Consideran al tema como algo secundario: prefieren los paisajes, las naturalezas muertas.

• Henri MATISSE (1869-1954).

Principal representante del fauvismo.

Gran dibujante y colorista.

Organiza el espacio pictórico a base de planos de colores puros y tintas planas, dando el mismo valor a todos los elementos y zonas, del cuadro. Reemplaza la perspectiva y el sombreado por los contrastes cromáticos.

Valora lo curvo, tendiendo al arabesco.

Da una visión subjetiva de la realidad. Obras:

• Lujo, calma y voluptuosidad (1904-1905).
• La alegría de vivir (1905-1906).
• Retrato de la raya verde (1905).

• Maurice de VLAMINCK (1876-1958).

Se caracteriza por la intensidad del colorido y los violentos contrastes.

Composiciones exuberantes, llenas de expresividad colorística.

Distorsiona las formas.

Gran paisajista: obtiene un gran efecto de dramatismo.

Al abandonar el fauvismo practica el cubismo. Obras:

• El puente de Chatou (1904).
• Calle bajo la nieve en Chandais (1925).

• Andre DERAIN (1880-1954).

Es el más conservador de los fauvistas.

Destacan sus representaciones de ciudades contempladas desde un punto de vista muy elevado.

Se acerca después al cubismo. Obras:

• Puente de Westminster (1905).

• Albert MARQUET (1875-1947).

Destacan los contornos de gran fuerza y expresividad.

Principal paisajista.

Colorido menos brillante y puro.

• Francisco ITURRINO (1864-1924).

Incorporó la fuerza del color y la libertad poética al realismo español. Es, más bien un precursor del fauvismo.

Temas frecuentes: toros y caballos.

• Juan de ECHEVARRÍA (1872-1931).

Retratista de los personajes de la generación del 98 y autor de excelentes bodegones y paisajes.

Destaca la riqueza del colorido y las cuidadas pinceladas.

EXPRESIONISMO

Se desarrolla entre 1905 y 1914, aunque después de 1920 todavía pueden encontrarse pintores expresionistas.

Surge en Dresde (Alemania) pero pronto se internacionaliza.

El nombre procede del crítico H. Walden que lo empleó como opuesto al de Impresionismo. Fue difundido por la revista "Der Sturm" ("La tormenta") que lo aplicó a todas las vanguardias surgidas entre 1910 y 1920.

Se encuentra dentro de las llamadas corrientes pictóricas subjetivas, aquellas que se interesan por el contenido de la obra de arte descuidando, o no valorando los aspectos formales.

Sus raíces más inmediatas se encuentran en Gaugin (el color) y en Van Gogh (el gesto).

Coincidió cronológicamente con el Fauvismo, el Cubismo y el Futurismo.

Los artistas constituyeron dos grupos distintos: "El Puente" y "El Jinete Azul".

El principio básico es que el artista debe expresar en el cuadro su mundo interior. Debe prevalecer el sentimiento frente a la razón.

Frente a la objetividad impresionista aparece el expresionismo como un arte totalmente subjetivo: las cosas son según las siente cada uno.

El dibujo se forma con líneas rotas, figuras y objetos distorsionados, siluetas intensas. Esta deformación de la realidad acentúa la expresividad.

Los colores son violentos, de tonos oscuros, aplicados a base de gruesos e irregulares toques que recuerdan "zarpazos". Su función no es agradar los sentidos sino expresar el mundo interior.

Sus temas poseen una fuerte carga crítica tanto política como social. Quieren expresar los problemas y sentimientos del hombre: miedo, soledad, perversiones, etc.

Precedentes

• Edward MUNCH (1863-1944).

Dibujo de líneas sinuosas, figuras distorsionadas.

Colores arbitrarios, de tonos puros.

Representa rostros demacrados, de mirada extraviada, que reflejan el miedo a la soledad, la amargura, el dolor, la angustia, etc.

Influyó decisivamente en el movimiento expresionista. Obras:

• El grito (1893).
• La danza de la vida (1899).

• James ENSOR (1860-1949).

Rostros deformes y descompuestos.

Colores alegres y luminosos.

Intención burlesca en sus obras: unas veces enigmáticas, otras irreverentes. Se complace en lo absurdo y brutal para ridiculizar los defectos morales del hombre.

Las máscaras y los esqueletos tienen una gran importancia en su obra. Obras:

• Entrada de Cristo en Bruselas (1888).
• Baile de máscaras (1897).
• La muerte y las máscaras (1897).

• El Puente ("Die Brücke").

Surge en 1905 en Dresde como puente de unión entre todos los elementos artísticos revolucionarios.

Exageran las formas y los contornos.

Emplean colores puros, tonos oscuros, contrastes cromáticos. Es considerado por algunos críticos como una especie de "fauvismo germánico", incluso a veces más extremista que el francés.

Practica un arte subjetivo; sus obras resultan tensas, emotivas, visionarias. Ahondan bajo la superficie de una sociedad que consideran hipócrita y quieren transmitir las preocupaciones políticas, sociales y éticas existentes en la Alemania prebélica.

• Ernest Ludwig KIRCHNER (1880-1938).

Dibujo: formas angulosas, goticistas.

Color: estridente, especialmente al principio.

Pintura dura, expresión de la soledad y amargura de los hombres de su época.

Crea un tipo femenino desgarrado; resaltan también sus escenas callejeras.

• Emil NOLDE (1867-1956).

Dibujo: muy simplificado; distorsiona y deforma los rostros (parecen máscaras) y los objetos.

Color: intensos, chillones, bruscamente yuxtapuestos. Evocan las fuerzas del instinto y del espíritu.

Temas: religiosos (tratados con irreverencia) y de la naturaleza.

Su pintura resulta violenta y tumultuosa, manifestación de su personalidad mística y atormentada. Obras:

• Sol tropical (1914).
• Tríptico de Santa María Egipciaca.

• Oscar KOKOSCHKA (1886-1980).

Dibujo: figuras retorcidas y nerviosas; siluetas de gruesos trazos negros.

Color: triste, aplicado directamente con el tubo o con la espátula, dando como resultado superficies de arremolinadas manchas de color.

Temas: retratos de personajes de psicología complicada, vistas de ciudades. Obras:

• La novia del viento (1914).
• Paganos (1918).

• El Jinete Azul ("Der Blaue Reiter").

Se desarrolla entre 1911 y 1914.

El nombre procede de un almanaque del mismo título en el que se reprodujeron por primera vez unas obras del grupo en honor de Kandinsky (al que le gustaba pintar caballos) y de Marc (el azul era su color preferido).

Se opusieron al cubismo, rechazando el fondo racionalista del mismo.

Mientras que "El Puente" critica la sociedad, "El Jinete Azul" la idealiza exaltando sus valores espirituales.

A este grupo se deben dos aportaciones fundamentales:

• Dieron consistencia teórica al movimiento expresionista.
• Hicieron evolucionar la pintura desde el soporte figurativo a la abstracción.
• Vasil KANDISKY (1866-1944).

Perteneció a la Bauhaus.

Evolucionó mucho, siendo uno de los creadores del arte abstracto. Llegó a basar sus composiciones en el trazado de líneas, ángulos, cuadrados y círculos coloreados con pinturas planas.

Dibujo de formas geométricas y planas. Gran colorista. Forma y color son los instrumentos de que se vale para hacer visible su mundo interior. Obras:

• Con el arco negro (1912).
• Improvisación IV.

• Paul KLEE (1879-1940).

Perteneció a La Bauhaus.

Evolucionó hacia la abstracción.

Distribuye con armonía y delicadeza las líneas, los colores, las formas.

Practicó la abstracción, pero también el arte figurativo de formas más o menos abstractas.

Difícil de clasificar ya que unas veces es abstracto y otras expresionista o su realista.

Sus caligrafías "infantiles" guardan cierta relación con la pintura de Miró. Obras:

• Ad Parnassum (1932).
• Senecio (1922).

• Franz MARC (1880-1916).

Es el más figurativo del grupo, aunque también llega a la abstracción en algunas obras.

Su estilo puede ser definido por el esquematismo y la arbitrariedad del color (rojos, amarillos, azules), al que otorga un valor simbólico. Obras:

• Caballo rojo y azul (1912).

• Georges ROUAULT (1871-1958).

Alterna el expresionismo con el fauvismo.

Dibujo: contornos de líneas gruesas muy marcadas a base de negro que recuerdan los planos de las vidrieras góticas.

Colores: tonos fuertes y planos, opuestos entre sí.

Temática religiosa debido a su ferviente cristianismo. Algún crítico ha dicho de él que es el mayor pintor religioso después de Rembrandt. Obras:

• Jesús entre los doctores (1894).
• Los clowns (1917).

El Expresionismo en España e Hispanoamérica.

• Isidro NONELL (1873-1911).

Hábil dibujante.

Dota al color, a la atmósfera y la pincelada de un valor expresivo profundo, intimista y dramático.

Representa la miseria y la angustia de la gente pobre en los barrios bajos de Barcelona.

• Ramón CASAS (1866-1932).

Emplea un colorido claro y es menos patético que Nonell.

• José GUTIÉRREZ: (1886-1945).

Dibujo a base de trazos gruesos.

Color: tenebroso, gamas terrosas.

Pintura pesimista que llega a lo tétrico. Pinta la "España Negra" de los desheredados, los mendigos y marginados. Gusto por lo feo, lo amargo, lo doloroso y desagradable. Obras:

• Las chicas de la Claudia.

• Ignacio ZULOAGA (1870-1945).

Estilo enérgico y fuerte.

Influenciado por Solana, ejecuta una pintura costumbrista áspera, aunque menos dura que la de aquel.

Reproduce tipos duros y tierras secas; visiones fantasmales de castillos ruinosos, pueblos desolados.

Algunos críticos le consideran dentro del fauvismo.

• Rafael ZABALETA (1907-1960).

Combina el cubismo y el expresionismo con lo popular.

• Benjamín PALENCIA (1902-

Pintor de la sobriedad y sencillez de los campos de Castilla.

Fundó la "Escuela de Vallecas".

• José Clemente OROZCO (1883-1949). Mejicano.

Se inspira en el folklore y en el arte azteca.

Su realismo se mezcla con lo simbólico y visionario. Obras:

• Frescos del castillo de Chapultepec, Méjico.

• Diego RIVERA (1886-1957).

Mantuvo contactos con el cubismo.

Temas preferidos: los relativos a la revolución mejicana y los populares. Obras.

• La civilización zapoteca. Frescos del Palacio Nacional. Méjico.

EL CUBISMO

Generalidades

Se desarrolla entre 1908 y 1914 aunque permanecerá latente en todos los movimientos posteriores.

El nombre fue puesto por el crítico Louis de Vauxcelles al comentar unos cuadros de Braque expuestos en el "XXV Salón de los Independientes" y afirmar que estaban compuestos por "pequeñas masas cúbicas". Según algunos historiadores, el primero en hablar de "cubos" para referirse a Braque fue Matisse; el crítico lo oyó y lo empleó en su escrito.

Las primeras manifestaciones cubistas se producen en París en 1907: Picasso pinta el cuadro “Las Señoritas de Avignon” (en realidad debería llamarse de "Avignó", nombre de una calle de Barcelona), y Braque realiza una serie de paisajes basados en el espíritu constructivo de Cézanne. Son los dos creadores de la estética cubista.

Antecedentes

Cezanne con su espíritu constructivo, sus intentos de reordenar los elementos de la realidad v su principio de que la naturaleza debe ser considerada por las formas geométricas puras que la forman.

La valoración en los ambientes artísticos del arte de las culturas primitivas, especialmente del arte africano, con su tratamiento de las figuras a base de planos angulares.

El neoimpresionismo o puntillismo con su tendencia a la estructuración geométrica del cuadro.

Características

El cubismo fue una reacción plástica contra el fauvismo: el cubismo no pretende retornar al realismo pero si restablecer el volumen en la figura.

Es un arte intelectual. Se publicaron numerosos tratados teóricos sobre el mismo.

Apollinaire principal teórico del cubismo, decía que "el cubismo pretende pintar conjuntos nuevos con elementos tomados no de la realidad de la visión, sino de la realidad del conocimiento". El cubismo intelectualiza la realidad representando no al objeto captado visualmente sino como es aprehendido por el entendimiento. Para el cubismo la realidad es concebida como constituida por cuerpos geométricos puros: pretende ver en la realidad el reflejo de los volúmenes fundamentales de la geometría del espacio.

Representa la ruptura total con la pintura tradicional

Desaparece la perspectiva tradicional.

Utiliza colores apagados: grises, pardos, verdes suaves, amarillos, blancos. No son reales por su excesiva neutralidad. Gaya Nuño dice: "Todos los pintores cubistas pusieron su paleta a pan y agua". Eugenio D'Ors afirma: "Después del carnaval impresionista se impone la cuaresma cubista".

Tratan de dar una visión de los objetos desde diversos puntos de vista: de ahí que junten la visión de perfil y la de frente de un rostro. Esta síntesis de visiones corresponde al espacio-tiempo, es decir, al afán de estabilizar el volumen en un tiempo determinado.

La suma de varios ángulos visuales se efectúa sincrónicamente en el cuadro, cuando en la naturaleza esto no es posible: "Debe darse la vuelta en torno al objeto para tomar varias apariencias sucesivas que, fundidas en una sola imagen, le reconstituyan".

Se sirven de los engaños ópticos, es decir, de la relatividad de las formas, ya que al yuxtaponerse se afectan mutuamente, resultando diferentes. Así, una elipse dentro de un polígono parece una circunferencia. Las formas de los cubistas adquieren su verdadero valor en función de las colindantes. Algo similar habían hecho los impresionistas con el color.

Descomponen los cuerpos en formas geométricas y después las recomponen.

Para el pintor cubista el tema, propiamente dicho, carece de importancia: lo que le interesa es la composición de las formas. Introducen la técnica de los "collages": se incorporan a los cuadros todo tipo de materiales (papel de periódicos, trozos de revistas, telas, etc.) para lograr un efecto más llamativo.

Algunos críticos consideran al cubismo como la mayor revolución plástica intentada desde el Renacimiento.

Cubismo analítico

Se desarrolla entre 1908 y 1911. El artista lleva a cabo un análisis intelectual del objeto descomponiéndolo en figuras geométricas y recomponiéndolo posteriormente asociando las distintas partes con entera libertad tal y como las recuerda.

Prescinden del punto de fuga único, característico de la perspectiva del Renacimiento, y utilizan tantos puntos de fuga como sea preciso para abarcar la visión total del objeto.

El resultado es la representación de objetos constituidos por una serie de formas geométricas diferentes y complementarias, fragmentadas por una serie de líneas y planos.

Pretende dar con ello una visión global del objeto, aunando todos los puntos de vista desde los que se puede contemplar el objeto.

Esta descomposición del objeto puede dar una visión tan complicada del mismo que algunos críticos le llaman CUBISMO HERMÉTICO.

Utiliza unos colores apagados (marrones, ocres, grises); tiende a la monocromía

Cubismo sintético

Se desarrolla entre 1912 y 1914. El hermetismo en que había desembocado el cubismo analítico provoca una intensa reacción y se intenta recuperar la objetividad perdida haciendo reconocible el tema representado.

El artista selecciona los puntos de vista más esenciales del objeto y procede a hacer una síntesis de los mismos, de manera que el tema se haga reconocible.

Guy Habasque llama al cubismo sintético cubismo EIDÉTICO para expresar que lo que se pretende es representar sólo lo "esencial" del objeto.

Introduce la técnica del "papiers-collages" para conseguir determinados efectos estéticos al mismo tiempo que se recobran fragmentos de la realidad, que caracterizan esencialmente al objeto.

El collage contribuye también a dar un relieve de carácter escultórico a la pintura.

Representantes

• Pablo Ruiz PICASSO (1881-1973) Málaga.

1891. La familia se establece en La Coruña. Picasso empieza a pintar.

1895. Nuevo traslado a Barcelona. Ingresa en la Escuela de Bellas Artes (hizo en un sólo día el tema del examen de admisión, trabajo para el que disponía de un mes). Demuestra un gran dominio del dibujo y del color.

1896. Instala en Barcelona su primer taller.

1897. Consigue entrar en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

1900. Primer viaje a París. Entra en contacto con los impresionistas y postimpresionistas. Realiza escenas de cabaret y callejeras con sentido crítico; líneas sinuosas y onduladas; colores de tonos agrios.

1901-1906. Época del Expresionismo social.

Alterna sus estancias en París, Barcelona y Madrid. En 1904 se establece definitivamente en París. Allí reúne en su casa del "Bateau Lavoir" a toda la vanguardia parisina.

Toma conciencia de que la pintura debe expresar, no imitar, y de que el color debe ser vehículo fundamental para la expresión.

• Época Azul

Color dominante el azul.

Pintura triste, reflejo de su visión pesimista de la vida: atmósfera de tristeza y dolor en un clima desolado.

Figuras estilizadas, delgadas, famélicas, pálidas; representa una humanidad dolorida: mendigos, niños y mujeres abandonados, artistas de circo ambulantes.

Especial interés por el tratamiento de las manos. Obras:

• La tragedia (19031).
• La planchadora (1904).
• Maternidad (1903).

• Época Rosa (1905-1906).

Combina el rosa con los tonos azulados.

Pierde fuerza el pesimismo anterior.

Figuras más llenas y modeladas.

• Temas del circo.

Toma contacto con poetas como Apollinaire y Gertrude Stein. Obra:

• Familia de saltimbanquis.

• Época Negra o Protocubista 1907.

Influencia de Cézanne y de la escultura negra.

Se interesa por la representación de las formas en el espacio sin referencias de perspectiva.

Estilo denso y macizo. Obra:

• Las Señoritas de Avignon (1907).

• Época cubista 1908-1916

Junto con su amigo Braque imponen los principios del nuevo movimiento.

Evoluciona del cubismo analítico al sintético.

A partir de 1912 introduce los collages. Obras:

• La mujer del abanico (1908).
• Los paisajes de Horta del Ebro (1909).
• Botella de Pernaud (1912).
• Ma jolie (1914).

• Época del cubismo Neoclasicista 1917-1924.

Representa, bajo un aspecto cubista, formas sugeridas por el arte greco-romano renacentista.

Figuras femeninas de aspecto escultórico y formas monumentales, modeladas de una manera muy clásica. Obra:

• Las tres bailarinas.

• Época de las "Metamorfosis" 1925-1934.

Personajes violentamente deformados, formas retorcidas. Color hueso sobre fondo azul.

Guarda una cierta relación con lo surrealista, aunque nunca llega a pertenecer totalmente a este movimiento.

Realiza una serie de metamorfosis en las que intenta representar ciertos síntomas de la nueva sociedad: la aparición de los fascismos, el consumismo desatado el totalitarismo comunistas.

Las figuras se deforman y la pintura se convierte en signos, en metáfora de la realidad. Obra:

• Mujer sentada al borde del mar 1934.

• Tauromaquias

En ellas se refleja el dramatismo que subyace en el fondo de la humanidad.

Incorpora el caballo blanco, símbolo de la inocencia y víctima indirecta de las tragedias.

• Período expresionista 1936-1950.

Figuras angulosas y deformadas.

Representa el horror que sólo queda compensado con la dulzura que emana de los rostros de los niños.

También se interesa por los temas mitológicos, especialmente el minotauro. Obras:

• El Guernica (1937).
• La mujer que llora.
• Cráneo de buey (1942).
• Homenaje a Julio González.

• Período ecléctico 1950-1973.

Mezcla todos los estilos dando primacía al cubismo.

Realiza recreaciones de cuadros clásicos bajo el punto de vista cubista.

Visión optimista de la vida.

Realiza también trabajos de cerámica, escultura, grabados.

• Las Meninas.

1973. Muere en Mougins (Cannes) el día 8 de Abril.

Es un auténtico símbolo de nuestra época: refleja los miedos, las angustias, supersticiones y mitos del hombre del siglo XX.

Profesó un auténtico y profundo humanismo, comprometiéndose con los problemas de los hombres de su época.

Nunca se sintió vinculado a una estética determinada: toda su vida actuó con total libertad, permaneciendo en una continua búsqueda de fórmulas nuevas. Participó en todas las tendencias, pero interpretadas por su gran personalidad.

Esto dificulta la clasificación y sistematización de su obra

• Georges BRAQUE (1882-1963)

Junto con Picasso, fue el creador de la estética cubista.

Se diferencia de Picasso en que prescinde casi siempre de la figura humana y se dedica a la naturaleza inerte: botellas de vino y cerveza, guitarras, dados y naipes, periódicos y cartas.

Sus temas básicos fueron los bodegones y los interiores de habitaciones a los que proporciona una auténtica intimidad.

Contribuyó decisivamente al uso y difusión de los collages.

Aunque siempre fue fiel al cubismo, a partir de 1945 evolucionó hacia una mayor claridad y sencillez, dando a los objetos representados un valor cada vez más destacado. Obras:

• Paisajes de L’Estaque (1908).
• El portugués (1911).
• Composición con as de trébol (1912).

• Juan GRIS (1887-1927).

Nombre verdadero: José Victoriano González.

Practicó un cubismo sintético, rechazando los hermetismos anteriores.

Se interesó por la estructura de las obras con independencia de la visión de los objetos que las componen.

Valora el cromatismo y la simplificación formal.

Se interesó por el espacio interior.

Ha sido denominado el "Zurbarán del cubismo" por el ascetismo de su pintura. Obras:

• Tablero de ajedrez. Guitarra, vaso y frutero (1918).

• Amadeo MODIGLIANI (1884-1920).

Influido por Cézanne y por el arte negro se acerca al cubismo pero sin pertenecer realmente a este movimiento.

Figuras de estilización total. Obras:

• Joven pelirroja con collar (1918).

• María GUTIÉRREZ BLANCHARD (1881-1932).

Practica un cubismo figurativo.

Su pintura se caracteriza por la melancolía y la ternura. Obras:

• La convaleciente.

• Daniel VÁZQUEZ DÍAZ (1882-1969).

No es estrictamente cubista pero manifiesta en sus obras interés por la construcción arquitectónica de la pintura.

Terminó practicando una pintura tradicional y académica.

Gran dibujante.

Autor de grandes murales.

• Francisco GUTIÉRREZ COSSÍO (1898-1970).

Geometriza las representaciones: retratos, bodegones, marinas.

Movimientos derivados del Cubismo.

Preocupación por las formas geométricas simples.

Intenta asociar el arte con los objetos industriales, mecanizados: sus formas parecen "mecanos".

Marca los contornos de las figuras con fuertes trazos negros.

• Fernand LÉGER (1881-1955).

• Los albañiles (1950).

ORFISMO

Término ideado por Apollinaire. Coincide con el cubismo pero incluye el colorido en sus composiciones y concede gran importancia a la luz.

• Robert DELAUNAY (1885-1941).

Junto con Kandinsky llegará a ser el pionero de la pintura abstracta.

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